２１．ハイドン全交響曲を関わり始めた経緯　   （その１）　2014年12月29日　追記 クラッシック音楽の接点は記憶にない幼少の頃は不明だが。しかし記憶がある幼少の頃には、既に、ステレオセットがあったので、色々と聴いてきた覚えはある。当時は、まだステレオセットは珍しいと思ったが父親の影響かレコードの大半は、クラッシックのものが多かった。自宅にあるジャンルは、ベートーヴェンを初め、ポピュラーな曲だったと思う。小学生の頃はそれほど、興味は持たなかったが、中学校のとき、音楽の授業の中でハイドンの名前を聞いた。無論、授業では名前の紹介程度であったと思う。しかしその中で、音楽教師が「１０４曲もの数を作曲したのだが、大半は、毎日、侯爵のために同じ曲が続かないように、せっせと作曲した」と話があった。このときも、耳の隅に記憶にあった程度。 　中学から高校にかけては、やはりポピュラーな名曲が中心で、小遣いをためてはレコードを聞いていた。その主なものは、モーツァルトが中心だった。その後、吉田秀和氏のモーツァルト　その生涯と音楽　の第1シーズン（後で調べてみたら、第1シーズンは１９８０−８７年の時期）はカセットテープに録音して聞きながら、主に、モーツァルトを聴いていた。その中では、ハイドンは余り触れていないことが多かったが、わずかに、No.43の交響曲の部分で触れた様に、モーツァルトの交響曲と一緒に、合わせて聴いた。また同じ頃に、後期の交響曲も少しずつ、LPのバラで、数枚ずつ、買いながらも聴いていた。しかしながら、全曲を通して聴いてみるまでは至らない。 　後期の交響曲を中心にバラでは聴いていたが、モーツァルトやベートーヴェンと違って、かっちりとして、几帳面な印象が中心。その頃は、ベートーヴェンのような、内面的な精神面の誇張？にも　はまっていた。この影響なのか、楽章の最後には、codaがあるのが当たり前。これに対して、ハイドンの交響曲は、後期こそはcodaは少しあるが、ベートーヴェンほど長くもない。また、曲自体も多い中で、パターンが決まっていて、それほど、はまって　いなかった。しかし、それでもなぜか、No.102だけは、とても興味があった。ニックネームがない交響曲であったが、有名なNo.104やNo.100などに挟まれている。知名度は低いと思ったが、かっちりして、じっくりと聴く人にとっては、とても、聴き応えがあると思った。このときは、ドラティの演奏だった。恐らく全集からの分売だったかもしれない。LPではなくカセットテープで、何回も聞いていた。このときは、ハイドンは、未知の世界の入り口に、まずは立っていた段階だったと思う。 　その後CDの時代にシフト。モーツァルト大全集はさすがに、買わなかったが、J　レヴァインのモーツァルト　交響曲の全曲が発売された頃、新譜のたびに、買い足していた。新譜が出るたびに、このCDは楽しみにしていた。レヴァインの演奏は、第2vn.が右側に位置していて、各パートが鮮明によく聞き取れたのが印象的であった。この頃から、スコアをみながら作曲者がどの様に、演奏者や聴衆に、旨く聞かせるための手段について、興味を持ち始めた。楽器については、私はほとんど接点はないが、スコアをみるのは、中学時代から好きだった。その後、楽典に精通するほど、レベルは上がっていない。（未だにスコアをみて、この部分の調性を読み取ることが苦手）しかしスコアの中に、細かい指示記号や文字を見て、作曲者の意図しているものを、汲み取ることは、今でも続けている。 　スコアを見ながら、交響曲を見ていても、モーツァルトは、やはり、ありふれていると思ってきたのが、今から約5年ぐらい前。その頃に、フィッシャー盤の全集がCDを購入した。値段も格安だったが、未知の世界の交響曲を初めて聞く。中学生のときに、殿様を相手に、毎日、飽きないような曲を書き続けて来た印象を最初は思った。しかし、井上著　ハイドン106の交響曲を聞くの本を購入し、その冒頭の部分で、ハイドンの初期から中期の交響曲は、エステルハージ楽団のために書かれて、soloの部分が多いことを発見。確かに、モーツァルトの初期の交響曲と比べるとsoloの箇所が多い。また、スコアにも細かい指定が多いのには、びっくりした。 　吉田秀和氏の執筆の中で、モーツァルトとシュトラウスのワルツ「美しき青きドナウ」の比較があった。具体的にどの本からか良く覚えていないが、ここでは、モーツァルトの時代より、100年以上も後に作曲されたワルツと交響曲39番の比較があった。それぞれの冒頭は類似したテンポでES調。導入部から主部に入っているが、旋律は、両者とも序奏や主題の旋律が似通っている。序奏の部分は、同じぐらいの小節数でありながら、モーツァルトの方が、いかに奥が深いかを記載してあった。楽器数はモーツァルトの時代では象徴されるような2管編成で、シュトラウスよりも少ない。しかしその冒頭の序奏からでも、旋律、テンポ、調性を変えながら、陰影をつけている。それに対して、シュトラウスの方は、単発的で調性の変化も変化少ない。楽器の数が少なくても、作曲者によって意図された曲は、大きく変化することには、印象に残った。これにより、スコアによる曲の面白さには、さらに興味を持った。それまでスコアは、主にモーツァルトやベートーヴェンなどを中心に、こずかいをためて購入した。しかし、ハイドンには、あまり縁はなかった。 　4年前からは、現在に至るまで、ドラティ盤とデイビス盤を購入。３者を比較しながら、現在も続けている。ハイドンの魅力は、現在の私には、初期、中期の交響曲の技巧的な面白さが、メインだと私には思う。初期・中期の交響曲は、録音数も余りなく、また余り知られていない。特に、ニックネームが付いていない交響曲は、なおさらだ。初期、中期の交響曲は、ニックネームの有無に関わらず、スコアなど一緒に細かく聞いてみると、意外な発見がある。この意外な発見の根底には、演奏家の比較が少ない分、スコアを見ながら、ハイドン自身がどの様に、演奏を通した作曲者の意図を聴衆が汲み取るかになると思う。当時の音源は、録音システムがない分、演奏会や楽譜のみであった。限られた一部の大衆ではあるが、めったにない機会で、当時では真作でポピュラー音楽であった、新譜の交響曲を聴きながら、聴衆がわくわくしながら聞いてきた雰囲気が大切だと思う。その場合、当時の様々な状況、たとえば、楽器、演奏者、会場、聴衆者のTPO（経済的な余裕や、めったにないチャンスで出向くタイミングなど）にも影響される。当時の様々な状況も加味しながら、現代に生きる時代にも通じるもの、あるいは、新しい解釈なども織り交ぜながら、今後に新譜のCDも含めて、執筆を続けて行きたいと思う。 （その２）　2015年1月3日　追記　 　スコアを見ながらのハイドンの魅力について、先ほど記載をした。全ての曲のスコアを見ながら、聴取をするには、限度があるかもしれない。しかし、見ながら聴取をすると、その面白さは倍増する。私自身、調性は和音などの細かいところまでは理解ができないが、下記のサイトに、指揮者としてのこの考えからについて理解の手助けになる。ここでは、No.100　第1楽章の序奏の部分で、G調でありながらも、１オクターブ１２音のすべてが、すでこの序奏の中に奏されていると記されている。 http://dialzero.cocolog-nifty.com/blog/2009/08/post-46ec.htm 　また、ここでは、ハイドンの魅力のたとえとして、落語と漫才の比較がある。 落語を楽しむためには何がくるのか、ある程度予想をたてたり、どうなっちゃうの？などの知識や事前の予習が必要となる。「このメロディーがきれいだな」とか、「分かるよ〜」みたいに、単に与えられたものに対して同調するだけでは、ハイドンの面白さは、分からない。ハイドンを聴くには、落語の様に、聴取者側にも、それなりに知識や予習あ必要となる。これに必要なのは、スコアや当時の作曲された背景（演奏者、演奏会場、聴衆者側のTOPなど）も、ある程度、知っておく必要あある。このため、ハイドンを、ハイドンを聞く・演奏するときには、「能動的」でなければならない。　スコアを見ながらの聴取も、このスタイルにあったような気がする。ある程度の経験み必要となる。 　それに対して、漫才は、直接的で、考ええる時間を与えない。与えられているギャグがはまるかどうか。聞き手は受動的な聞き方のスタイルとなる。      ２２．聴き手とナビゲーションの例え　2015年6月24日　追記 （その１）最近、バックナンバーで入手したレコード芸術　2009年6月号から。　ラディカルな開拓者　没後200年　ヨーゼフ・ハイドン　の特集記事がその中にある。　ハイドンの魅力　−仕掛けが満載　　ハイドンに惚れ込んでいる男ふたりが語る　の部分からの引用。ここでは　飯森　豊水、安田　和信　両氏の2名が、僅か2ページの紙面であるが、端的に交響曲の魅力について語っている。 　この中では、1780年代のパリセット以前の作品では、いかに旋律線で遊ぶかで楽しんでいるところが分かること。それが分かってくると、面白さが尽きない。その細やかさは音楽通のエステルハージ侯爵の主眼で書かれたところが大きいこと。どんな作品を披露し続けてきたかの実績が、聴き手にも作曲家にも共有されている中でのコミュニケーションにもなる。 　　それに対して名曲のほまれ高いパリセット、ロンドンセットは、大ホールに集う都市の聴衆、つまり「一般向け」に作曲された。旋律構造が規則正しく、親しみやくすなり、和声に迫力が伴い、いっそう意図が分かりやすいところがある。和声上では、No.92の第1楽章の部分から、最終的な和声が落ち着かない仕掛けなどについて、言及されている。 　これに引き続いて、キーワードとして、聴き手のナビゲーションシステムが登場。聴き手が漫然として聴いているだけは曲の魅力が十分に分からない。曲の始まりがあって、目的地があり、今までこうやって来ていてとうのを、あたかも鳥が上から見ているような視線で見る。この後どういう展開になることを予測しながら、言わば戦略的に聴く。このたとえは興味深い。 （その２）引き続き那須田　務氏の「交響曲作品　期は熟した　104曲を味わいつくそう」の中から。ここでは交響曲の３つの特徴に言及。多様性、意外性、旋律や響きの個性。多様性は、エステルハージ侯爵とその周辺の宮廷に集う聴衆を満足させることの最優先として作曲されたこと。自ら楽器を奢しみ、音楽理論を学び、音楽を聴いて和声や形式が分かる人たち。 　エステルハージ時代のハイドンの聴衆の全てが、そうだとはいわないが、少なくとも仕事上の立場に影響を与える一握りの人たちはそうだっただろう。彼らは日常生活において凡庸さや退屈を嫌うと同じように、音楽においても彼らの趣味に適う洗練と品の良さを同時に、個性を満足させる変化をもとめて、そしてときには、音楽を通じて、侯爵に何らかのメッセージを伝えることもあった。ハイドンは、こうした様々な状況において作曲に取り組み、水準の高い成果を出していった。 　また、旋律や響きの個性の例として、筆者は、旋律や響きは作曲者の指紋のようなものだ。ハイドンの旋律や響きは、他の時代よりもモーツァルトやヴァンハル、サリエリ等と同時代の作曲家に比べると、一層際立つ。旋律でいえば、ハイドンには幼少の頃から生まれて育ち、生活してきた周辺環境が大きいといえるが、この様なハイドン独自の個性は１８世紀後半の演奏習慣（最近ではピリオド奏法のほうが通りやすいかもしれない）に準拠した演奏によって初めて、明らかになったと筆者は考える。→当時の演奏習慣も合わせて考えること。指紋に類似した考えは、ハイドン音楽史にも、このコーナーで触れている。　 　 聴き手のナビゲーションの例え　2015年7月8日　追記 （その３）鈴木秀美　「ハイドン作品は　まるで　おもちゃ箱」の記事から。その２に引き続いて、見開き2ページに渡ってインタビュー形式で記載されている。 ヨーロッパでの１８世紀オーケストラ　や　ラ・プティット・バンド等で長く演奏してきた経験を踏まえて。拍子と不協和音の２点が特徴。ハイドンといえば、四角四面で規格そのもののようなイメージを描く人が多い。スコアを覗くと、機知に富んでいて、生き生きとした世界が広がっている。いわゆるソナタ形式もハイドンが作ったかのように思われているかもしれない。しかし作品には、そういった形式に嵌らないものもたくさんある。展開部の短さに驚かされ、再現部が来たと思ったら、予想を裏切られ全然違うものが来る。予期しない転調があり。例を挙げ始めたら切りがない。あらゆるところに創意工夫が見える。そこには、定石がどうかを知っているからこそ、楽しめるといった側面があるかもしれない。 　ブリュッヘンもいっているように、モーツァルトは一種の「万人向け」なところ、誰にでも好まれるところがある。ハイドンは玄人好みというのか、音楽をある程度知っていて、初めてユーモアとはアイデアが見えて微笑むことができる作曲だ。少々大雑把な言い方であるが、モーツァルトは色彩の作曲家。ハイドンはアイデアの作曲家。これには二人に環境の違いも影響を与えている。モーツァルトは生涯どこかの専属の宮廷作曲家にならなかった。作曲に際して、限定的な条件は一定ではなく思った色彩を表現するためには、好きな楽器を選らんでかくことができた。しかしステルハージ家に就職したハイドンに与えられたオーケストラは、当初１３人ほどであった。それで演奏できるものを書いた。ハイドンは、音楽通のエステルハージ侯爵とその客人の環境を十分にそそり、同時にオーケストラをまとめ、作曲家兼リーダーとして、アピールしなければならなかった。制約が多ければ多きいほど、アイデアを練らざるを得なかった。 　私たち演奏家は、いつも、どこのハイドンが気を配っていたかを、あるアイデアを、宝探しの様に探していけなければならない。発見できなかったら、漫然とメロディーが流れる退屈な演奏になってしまう。 　これらのコメントから私なりに整理をしてみると、やはり、タイトルの「おもちゃ箱」がキーワードになってくると思う。おもちゃ箱は、色々なものがあるかもしれないが、一般的なイメージとして、子どもが対象だけとは限らない。子どもなりに、おもちゃの機能として楽しむことはできよう。しかし、子どもだけが対象ではなく、大人も楽しめる。おもちゃ箱は、子どもだけでなく、大人になっても、子どもの経験や理論を踏まえて、新たな観点で再び楽しむことができる。モーツァルトの作品が、決して、ハイドンに劣るとは思っていない。しかし過去のコメントにも少し書いたが、モーツァルトは漫才の様に、感情に直接訴える万人に共通した美しさがある。 　それに対して、ハイドンは、玄人好みの、筋道が分かっていてから楽しめる落語のように、基礎知識が必要とされる。形式一つにとっても、漫然と聴いただけでは、その微妙な違いが分からない。井上著の冒頭に、指揮者の岩城宏之が「ハイドンは苦手」と記載してあった。スコアをある程度読める知識や、その当時の聴衆や、演奏家、演奏された目的などの背景も理解しないと、その曲の特徴が分からない点が多い。交響曲だけをとっても106曲ある。大半は３から4楽章で構成されているので、各楽章の数の主要主題だけを上げても、400曲近く。400曲は、ぞれぞれ、調性、テンポ、拍子、演奏楽器の数が、時代とともに、大きく異なる。しかも、各楽章の中でも、調性、テンポ、拍子、soloなどの演奏者の数の指定も異なる箇所が多い。しかも演奏家の解釈で、大きく異なる。この膨大な違いを聞き比べていくには、大変な労力が必要だろう。しかし醍醐味でもある。今まで、ハイドンの魅力を何回か書いてきた中で、集約できるような考えの一つだと思った。 聴き手のナビゲーションの例え　2015年9月28日　追記 （その４）ノリントンの94番の演奏を聴く前後に、この交響曲の由来などについて、ネットで調べてみた。この中で、ハイドン１０６の交響曲を聴くで、最初の部分でも触れてあった岩城宏之氏の「ハイドンは苦手」の部分に関連したコメントがあった。アマチュアオーケストラ　新交響楽団でのハイドンの紹介プログラムからのコメントで以下のサイトで見られる。 http://www.shinkyo.com/concert/i214-2.html ここでは、アマチュアオーケストラでのハイドンを演奏する機会が少ない理由などが主に論点となっている。大曲と比べて管楽器の出番が少ない。弦楽器では過去の時代を知っている我々では、現代の大編成の弦楽器で、うまく表現ができるかなど。 これらに加えて、３番目として演奏の難しさがある。ここでは、例の楽譜の風景からの引用がある。 　「ベートーヴェン以後の交響曲の隆盛を知り、その恩恵を充分に蒙っている現代の我々は、ハイドンの交響曲をともすれば未だ完成されていないスタイルの「習作」のように捉えがちな気がしている。 　それは速い楽章のメリハリの無さと見えたり、緩徐楽章の冗漫さと感じられたり、或いはオーケストレーションの未分化(木管楽器のパートは２本揃っていても殆どがユニゾンである)などという形で耳目に障る事がある。これらは作曲者の生きた時代背景を反映している。 　我々は概ね、この印象を拭いきれない時点で、ハイドンの交響曲をプログラム検討の俎上から下ろしてしまっている。実に残念且つ愚かしい事だと考えざるを得ない。 　現実にはそうした点を克服し、一個の確立したスタイルを表出した演奏を作り上げる過程で詳細に作品の構造を見てゆくと、岩城氏のいう「複雑さ」に気づき、「難しさ」に行き当たるのである。ここで初めてハイドンの交響曲の演奏に対するやりがいが理解されうる状態になる。」 　ここでは、やはり、ハイドンを含めて過去を知っていることから、ある意味ジレンマも考えられる。すなわち、ハイドンの前はもとより、当時、及びその後の歴史まで、現代の我々は知っている。一方、ハイドンの演奏された当時は、現代音楽であった。特にロンドンでは、新作が披露され、演奏会では聴衆も演奏に反応した。当時は、作曲と演奏がセットであった。 　それに対して、我々、現代は、ハイドン以降の作曲者や演奏を知っている。特に、ベートーヴェンの様な曲を最初に知ってしまうと、ハイドンは後ろに追いやられてしまう傾向にあろう。それに伴いハイドンの複雑さ、難しさなども影に追いやられてしまうのではないかと思った。